La Cerámica y Lo Macabro

Cuando combinamos la cerámica y lo macabro, no sólo estamos desafiando la forma en que percibimos el arte de la alfarería, sino que también nos atrevemos a oponernos al papel que juega la cerámica por su belleza, elegancia y naturaleza delicada. Mientras crecía, siempre había asociado los objetos de cerámica con imágenes de flores o con el pequeño ritual de tomar el té de la tarde, y realmente nunca me sentí aterrada por un jarrón y ni me dio escalofríos una taza de té. Durante muchos siglos, la vajilla de cerámica ha representado símbolos de riqueza y estatus; platos finos de porcelana ornamentados con motivos y símbolos estereotípicamente femeninos, como frutas, diseños florales y pájaros, que pueden connotar belleza, virtud, amor, etc. La colección de cerámica del Museo Victoria & Albert de Londres lo ilustra a la perfección, con más de 15.000 objetos que se pueden ver en su galería en línea, ofreciendo una visión amplia de los diseños clásicos.

La cerámica y lo macabro persigue un contraste total con los temas tradicionales y convencionales, dando lugar a yuxtaposiciones inolvidables; el amor se convierte en muerte, la virtud en pecado, el placer en dolor. En las últimas décadas, los artistas contemporáneos han empujado los límites cada vez más y han evocado una serie de emociones fuertes en su público. El malestar, la revuelta, el miedo y la sorpresa son algunos de los sentimientos que se experimentan habitualmente con la cerámica y lo macabro. Aunque no todas las obras de arte requieren una reacción tan extrema, algunas simplemente se crean para contar nuevas historias, explorar imágenes extrañas, quizás surrealistas, del tipo que vemos en nuestros sueños y nos dejan confundidos y perplejos. Los siguientes artistas son poderosos ejemplos que nos enseñan a seguir nuestras ideas, y a confiar en nuestra imaginación, sin miedo a las críticas de una perspectiva más tradicionalista. A medida que la escena del arte contemporáneo crece, aprendemos que es importante perturbar y reinventar, en lugar de seguir los ideales del pasado.

Sophie Aguilera-Lester

Sophie Aguilera Sophie Aguilera es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y se inspira tanto en “el cuerpo humano como en los objetos cotidianos”: Su obra incorpora motivos tradicionales como flores y frutas junto con aspectos figurativos que crean un contexto inquietante. Su obra titulada “Bajo las Maragaritas” es una escultura juguetona y a la vez espeluznante del cuerpo de una mujer enterrado bajo una parcela de margaritas florecientes. En mi opinión, su obra abre muchos interrogantes sobre la vida y la muerte, a la vez que tiene un elemento cómico de extrañeza. El uso que hace Aguilera de la tierra negra, crema y marrón contrasta fuertemente con el verde, la naturaleza vibrante y el toque de azul de la chaqueta de la mujer, atrayendo la atención hacia los dos temas paralelos. “Corazón en Seis Actos” de Aguilera es otra poderosa instalación que evoca una respuesta visceral y sensual. Aguilera utiliza un esmalte rosa mate para el corazón, que a lo largo de los 6 actos adopta un aspecto nauseabundo y enfermo, la superficie burbujea y se decolora a medida que el corazón se encoge.

Ronit Baranga

Ronit Baranga es una ceramista israelí conocida por su macabra obra, que combina hermosos juegos de té y vajillas con un toque oscuro y figurativo. Su fascinación por crear bocas y labios de color rojo sangre es bellamente siniestra. No se puede negar su habilidad como escultora figurativa, sus piezas bailan entre el realismo, el surrealismo y el puro horror. Las cerámicas contemporáneas de Baranga llevan nombres siniestros como “All things sweet and painful” (Todas las cosas dulces y dolorosas) y “Demon’s Playground” (El lugar de juego del demonio). En su obra hay bebés pálidos y vampíricos, magdalenas que te morderán y muchos, muchos dedos. Sus ideas pueden tener algo que ver con su licenciatura en Psicología y Literatura por la Universidad de Tel-Aviv, que desarrolló mientras estudiaba Bellas Artes en Israel. La obra de Baranga es una fascinante exploración de los “estados emocionales y las relaciones”, ejecutada con imaginación y una espeluznante riqueza de detalles.

Lindsey Mendick

Lindsey Mendick es una artista contemporánea emergente del Reino Unido a la que le atraen los temas salvajes y escandalosos. Sus instalaciones nos invitan a un mundo de monstruos, fetiches, junto con las apariencias repulsivas, pero extrañamente atractivas de la comida en descomposición. El amor de Mendick por las películas de terror ha influido enormemente en su cerámica conceptual, y ha perfeccionado el arte de inspirar sorpresa, nauseas, excitación y confusión. A un nivel más profundo, las esculturas de Mendick se han visto influenciadas por acontecimientos cruciales de su vida relacionados con la salud mental. Busca sus proyectos ‘Are you going to Destroy Me?’ (Vas a destruirme?), ‘Hairy on the Inside” (Peludo por dentro) y ‘The Yellow Wallpaper” (El papel de pared amarillo). La contribución de Mendick a la cerámica y lo macabro tiene una vitalidad adictiva y una ligereza que inspira e intriga a su público.

Jessica Harrison

Jessica Harrison es una artista afincada en Edimburgo conocida por su provocadora serie “Broken Ladies“, que desafía la representación más tradicional y feminizada de la mujer. Harrison toma cerámicas encontradas y corta bajo la superficie para revelar los órganos y el esqueleto. Sus damas a menudo sangran, sufren heridas horribles, mientras que la dulce sonrisa original de la figurita aún permanece. Estas “damas rotas” crean un nuevo diálogo y una vuelta de tuerca al cuento de hadas patriarcal, aunque su intención no es escandalizar ni inquietar a su público. Harrison trata de explorar el cuerpo, concretamente los aspectos táctiles y visuales, y cómo interactúan. Al deconstruir la figura femenina, expone los “tabúes” históricos del cuerpo de la mujer, cambiando nuestra perspectiva sobre una figura de porcelana clásicamente reconocible.

Kate Macdowell

Kate Macdowell es una artista estadounidense que trabaja principalmente con porcelana. Construye a mano cerámicas que retratan la relación entre el mundo natural y el humano a la luz de la industrialización y su impacto en el medio ambiente. Sus obras crean conciencia sobre el rápido ritmo de extinción de las especies raras. Sus esculturas de animales llevan máscaras de gas y gafas protectoras para humanizarlos y representar sus propios derechos en el planeta. Su escultura “First and Last Breath” (Primer y último aliento) es una obra profundamente poderosa que muestra a una liebre alimentando a sus crías mientras lleva una máscara para protegerse de la contaminación. Aunque la apariencia de sus obras no sea perturbadora, es la verdad que hay detrás de su arte la que retrata la horrible realidad de la humanidad frente a los animales. Su capacidad para traducir estos mensajes a través del lenguaje de la cerámica es un testimonio del arte contemporáneo.